enrique marty

 

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1.

MUTANTE, exposición que incluye artistas nacidos o residentes en el estado español, pretende mostrar una forma de entender la pintura basada en la transformación del género pictórico. La tesis principal parte de la constatación de que la pintura, a pesar de sus sucesivas operaciones triunfo, de carácter netamente comercial, ha dejado de ocupar una posición central, sólida, en el arte contemporáneo, siendo desplazada por otras disciplinas más recientes, como el videoarte, la fotografía, la instalación, etc...Se ha hecho vulnerable, frágil; pero este cuestionamiento, lejos de debilitarla, ha sido para la práctica pictórica un estímulo de cambio y desarrollo. El artista se ha encontrado en una situación problemática, intentando conciliar sus deseos de pintar con preguntas tan inquietantes como: ¿qué sentido tiene pintar en la actualidad?, ¿es la pintura un medio adecuado para tratar cuestiones del presente?

Por supuesto. Creo que en realidad, el medio es algo independiente. Toda mi obra es precisamente una investigación y una reflexión sobre esto. Por eso cambio de medio continuamente. De hecho creo que el arte no es necesariamente una pintura o una escultura. De alguna forma se sirve de estos medios pero no ES ellos. De todas formas, también me planteo si la novedad de medios como fotografía, instalación etc. es real. Son medios que llevan aquí ya mucho tiempo. Sinceramente, considero el Partenón o el Vaticano como instalaciones.

 

2.

Desde hace aproximadamente un siglo, la pintura ha sido declarada muerta en diferentes momentos y por diversos motivos: por ilusionista, por estar asociada a un sistema de mercado, por no ser soporte de ideas sino tan sólo ofrecer sensaciones... En la pasada década, tras la eclosión de las transvanguardias pictóricas de los años ochenta, resurgieron tales posiciones. Uno de los argumentos que contra la pintura se ha esgrimido es el de su excesiva carga cultural. Según este pensamiento, al provenir de una situación de primacía en la jerarquía de las artes, no es capaz de descargarse de las connotaciones que tal posición conllevaba: autoridad, propiedad; y esta situación delimita un campo estético definido, cerrado, que impone unos límites formales y conceptuales. Estos se transmitirían de manera inconsciente e insidiosa: sin darnos cuenta, pintaríamos con recursos y estéticas heredadas, lo cual priva al medio de capacidad de sorpresa, de posibilidades de renovación. Siendo tal argumentación de orden cultural, y no refiriéndose a condiciones materiales de lo pictórico, se invalida en el momento en que la pintura se desprende de esas connotaciones. Para ello, el artista  actual debe ser capaz de desmontar esa jerarquía, trabajando con la pintura en un plano de igualdad con los demás recursos artísticos. Por eso es tan importante el modelo del artista multimedia: porque deshace la estructura de los géneros artísticos y su potencial jerarquización.

 

La pintura es, entonces,  adecuada en el momento en que la consideramos un medio más, no un fin en sí misma. Los artistas que participan en esta exposición no toman la pintura como motivo central de su pensamiento creativo, no trabajan en una esfera de lo estrictamente pictórico, no defienden una esencialidad del género (de hecho, la mayoría de ellos trabajan simultáneamente en otros territorios del arte). Son artistas que usan la pintura, como la fotografía o el vídeo, con una finalidad determinada y en función de sus cualidades físicas, visuales y culturales. Por ello, no se trata aquí de un problema de técnicas o formatos, sino de actitud.

 

En este sentido, esta exposición pretende, también, contribuir a la creación de un panorama normalizado, en el que la pintura se entiende como una opción estética y técnica más dentro de los recursos del arte contemporáneo. Es en parte debido a esta voluntad que la exposición se ciñe estrictamente al género pictórico (si bien entendiendo éste en el sentido ampliado en que lo coloca la contemporaneidad), evitando el recurso habitual de modernizar una exposición de pintura introduciendo algo de vídeo, un poco de instalación, mucha fotografía.

Desde luego en esta pregunta va contenida mi respuesta anterior. En realidad, es cierto que la pintura tiene detrás un enorme fondo histórico que la fotografía, por ejemplo, no tiene todavía. Pero me pregunto qué pasará en un futuro lejano.

En un capítulo de la serie Futurama, que transcurre en el año 3000, uno de los personajes protagonistas lleva a su novia, que había quedado congelada en el siglo XX y que despertó en el XXX, al MOMA. Allí contemplan una exposición de la tendencia en el arte del año 3000, tatuajes en las barrigas de tíos gordos. La broma me parece muy buena.

 

En el libro “Sueñan los androides con ovejas eléctricas” de K Dick, dos personajes van al MOMA a la exposición de mas éxito del momento, Edward Munch. Curiosamente ahora mismo hay una exposición de Munch en el MOMA.

 

 

3.

El problema de los medios se relaciona con otro de los cuestionamientos que de manera recurrente se ha venido haciendo a la pintura: se critica al género por su estatismo, su configuración estable, su fisicidad. Según este pensamiento, tales caracteres inherentes a la pintura la incapacitan como vehículo de aspectos de la realidad contemporánea, que estarían ligados a lo fragmentario, lo cambiante, lo virtual, como los medios electrónicos o las redes de información. Mi propuesta rechaza esta polarización dual de conceptos estéticos: material contra virtual, inmediato contra mediado, estático contra temporal..., con que a menudo se sentencia a uno u otro género artístico. Igual que una película puede transmitir sensaciones de estatismo y materialidad (pensemos, por ejemplo, en las calidades matéricas y el tempo contemplativo del cine de Tarkovsky), también un medio estático y material, como la pintura, puede ser usado para aludir a realidades fugaces e inmateriales. Así, la pintura que aquí se expone no se presenta como una alternativa a los medios tecnológicos o a las artes temporales, sino que dialoga con éstas y con aquéllos, integrándose con todos ellos en un espacio interpenetrado de relaciones culturales.

Pienso en la pintura simplemente como imágenes hechas a mano, pero creo que una pintura que sea realmente arte, no es estática. Todo lo contrario. Hace poco, hablando con una amiga, recordaba que siempre que voy al Museo del Prado hay una visita que para mí es obligatoria. El Retrato de mujer de Andrea del Sarto. Es una pintura pequeña, oscura, que simplemente retrata a una mujer de la que no se conoce su identidad. No concibo una obra de arte mayor.

 

 

4.

La obra se crea, así, en una transacción, un intercambio con el entorno artístico y cultural; no es una obra ensimismada, silenciosa, sino más bien extravertida, a veces ruidosa. El diseño, la ilustración, la publicidad, la televisión, la fotografía, el cine, la instalación,  la arquitectura, etc... están implícitamente presentes en esta exposición tanto como el propio medio pictórico lo está de manera explícita.

 

Por poner un ejemplo: en el montaje se hace evidente cómo el desarrollo de la instalación ha sido un factor decisivo en la alteración de la manera en que la pintura es colocada y percibida.

 

Como consecuencia de esto, la heterogeneidad, la hibridación, la mezcla, siendo ideas, actitudes y prácticas culturales características de la actualidad, están también presentes en esta pintura. Los estilos se yuxtaponen y superponen libremente, las imágenes son apropiadas, manipuladas y devueltas a la esfera de lo público, los conceptos son reutilizados, reciclados, en ese proceso continuo de postproducción que describe Nicolas Bourriaud.

Aquí me viene a la mente la manera en la que hay que ver la mayor parte de la obra de Caravaggio, que se encuentra en los lugares originales para los que los pintó. Cuando uno recorre Roma hasta encontrar la Conversión de San Pablo y la Crucifixión de San Pedro, enfrentadas a poca distancia en una capilla lateral  pequeña y oscura, uno piensa que esto es una instalación. Dos obras maestras de Caravaggio casi escondidas, puro atrevimiento. Lo digo en serio, una gran audacia.

 

 

5.

Esta forma de entender lo pictórico se inscribe en un nuevo modelo de dinámica artística que propongo, basado en la idea de mutación. La mutación es un proceso azaroso de transformación genética, que posibilita la evolución de las especies gracias a su adaptación al medio. La dinámica de avance vanguardista llega a su final en la posmodernidad, momento en que es negada la posibilidad de progreso en el arte. Por contraste con este pensamiento, la metáfora de un arte mutante afirma la posibilidad de cambio; pero no un cambio autónomo, de signo idealista y utópico, como el que subyace al proyecto de las vanguardias, sino una evolución ligada a la transformación inevitable de la sociedad. La pintura, como ente mutante, desarrolla estrategias de adaptación a un contexto igualmente dinámico y es, a la vez,  capaz de cooperar en la transformación de este escenario.

En “La cosa” de Carpenter, el invasor es un mutante continuo, es decir, ni un solo instante de su existencia deja de cambiar de forma de un modo radical. Puede convertirse en quien quiera o puede dividirse en varias partes con autonomía e inteligencia propias. Es como una gigantesca célula que se acerca disfrazada de tu mejor amigo y cuando te descuidas, te ha fagocitado a ti también. Me gusta pensar en una pintura peligrosa y devoradora.

 

 

 

 

 

 

ARTISTAS

 

 

Pablo Alonso (Gijón, 1969)

Nono Bandera (Málaga, 1958)

Toño Barreiro (Zamora, 1965)

Bosco Caride (Vigo, 1963)

Salvador Cidrás (Vigo, 1968)

Arancha Goyeneche (Cantabria, 1968)

Enrique Marty (Salamanca, 1969)

Din Matamoro (Vigo, 1958)

Teresa Moro (Madrid, 1970)

Manu Muniategiandikoetxea (Bergara, 1966)

Marina Núñez (Palencia, 1966)

Nuria (Madrid)  y Eltono (París)

Juan Rivas (Pontevedra, 1974)

Simeón Saiz Ruiz (Cuenca, 1956)

Teo Soriano (Mérida, 1963)

Daniel Verbis (León, 1968)


· Mutante, Ignacio Pérez-Jofre

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Publicado. Catálogo "Pintura Mutante", Museo MARCO, Vigo, España (2010).